Mientras el escenario de la Sala de Espectáculos del Teatro Municipal de São Paulo recibe el doble cartel Isolda/Tristão, de la brasileña Clarice Assad, y la mirada femenina a la vida de García Lorca en Ainadamar, de Osvaldo Golijov, la Cumbre Municipal estará efervescente con la Ópera Fuera de Caja – De hoy para mañana, de Arnold Schönberg, con libreto de Max Blonda. Además de las presentaciones, las celebraciones incluyen un evento del Núcleo Educativo, encuentros y círculos de conversación sobre la importancia de la creación de nuevas óperas y la relación entre el género artístico y la sociedad contemporánea.

 

El mes de septiembre será intenso para los amantes de la ópera en el Teatro Municipal de São Paulo, quienes podrán escuchar un repertorio de obras que abarca desde la música dodecafónica del siglo XX hasta temas contemporáneos del siglo XXI. La Sala de Conciertos recibe el doble cartel Isolda/Tristão, de Clarice Assad, y Ainadamar, de Osvaldo Golijov, entre el 15/09 y el 23/09. Mientras tanto, la Cumbre Municipal estará efervescente con la Ópera Fora da Caixa – De hoy para mañana, de Arnold Schönberg, con libreto de Max Blonda (seudónimo de Gertrude Kolish), entre el 21/09 y el 29/09.

 

“En el mes del 112° aniversario del Teatro Municipal de São Paulo, tenemos el honor de presentar tres óperas, incluida una obra por encargo, y de realizar una reunión para discutir precisamente la producción de nuevas obras operísticas. La ópera Isolda/Tristán, encargada para Clarice Assad, con libreto de Márcia Zanelatto, tendrá su estreno mundial en una noche doble, junto con Ainadamar, de Osvaldo Golijov, que fue un hito de la ópera mundial de principios del siglo XXI. Mientras tanto, en la cúpula del Teatro, dentro de la Ópera Fora da Caixa, presentaremos De hoy para mañana, de Schönberg, una obra que va al corazón de una cuestión del siglo XX, pero que nos atraviesa hasta hoy, con la pregunta: ¿qué es ser moderno?”, explica Andrea Caruso Saturnino, directora del Teatro Municipal de São Paulo.

 

Isolda/Tristán reinterpreta el mito medieval para nuevos tiempos

 

Abrirá el programa doble la ópera inédita Isolda/Tristán, de Clarice Assad, con libreto de Marcia Zanelatto. La presentación contará con Alessandro Sangiorgi en dirección musical y dirección de orquesta, Guilherme Leme García en dirección escénica, Mira Andrade en escenografía, Aline Santini en diseño de iluminación, Rogério Velloso en dirección de arte, João Pimenta en vestuario y Renata Melo en coreografía. La asamblea también cuenta con la participación del Coral Paulistano, bajo la batuta de la maestra Maíra Ferreira.

 

Assad, un prolífico compositor contemporáneo, ha estado activo profesionalmente desde los siete años con formación en la Universidad Roosevelt en Chicago y la Universidad de Michigan. Sus obras fueron publicadas y actuó en Europa, Sudamérica, Estados Unidos y Japón. Clarice también recibió una nominación al Grammy en 2009.

 

El mito de Tristán e Isolda se ha contado una y otra vez desde su aparición en el siglo XI. Se convirtió en una obra de arte relevante y definitiva después de que el compositor alemán Richard Wagner la tomara como inspiración, ya en el siglo XIX, para escribir el libreto de su inolvidable ópera: Tristán e Isolda.

 

 

En esta nueva versión, el mito del escenario celta medieval será trasladado a los tiempos actuales, en una región fronteriza donde seguimos el drama de un grupo de refugiados que viven en una situación límite: no se les permite cruzar la frontera y entrar en el nuevo país, pero, además, no puede regresar al país de origen. “Hay muchas versiones de la leyenda, leímos algunas y tratamos de diferenciar lo esencial y lo cultural, lo que cuidaba un mundo que ya había quedado atrás”, explica Marcia Zanelatto, libretista de la ópera.

 

“Encontramos esenciales la cuestión geopolítica y la cuestión del amor, ambas eludidas por principios patriarcales. Si en la versión de la Edad Media los principios patriarcales eran validados por la leyenda, podríamos hacer una versión contemporánea que confrontara esos principios, es decir, hacer algo propio de nuestro tiempo”, concluye Zanelatto.

 

Por adaptar el mito, combinar la fantasía del mito y la verdadera narrativa del mundo, que es muy urgente, quería que la canción fuera de todos. Que sea familiar y desconocido al mismo tiempo — Clarice Assad

 

“Por adaptar el mito, combinar la fantasía del mito y la verdadera narrativa del mundo, que es muy urgente, quería que la canción fuera de todos. Que sea familiar y desconocido al mismo tiempo. Tiene un toque de música romaní, algunos elementos asociados con la música africana y de Medio Oriente. Creo en el poder de la música y la narrativa para poner en primer plano temas importantes”, señala Clarice Assad.

 

Anclada en el minimalismo y las proyecciones escénicas, la reinterpretación del mito original abarca cuestiones contemporáneas en sus temas y lenguaje escénico. “Este enfoque estético minimalista permite contar la historia de una manera más centrada e íntima. Reduciendo los elementos visuales y escénicos a lo esencial, la atención se dirige a la narrativa y las emociones de los personajes. Esto puede crear una experiencia más inmersiva e intensa para el público, permitiéndole conectarse de manera más profunda con la historia y con el tema”, explica Guilherme Leme, director escénico de la ópera.

 

 

Como director, actor y productor, Guilherme Leme García ha realizado más de 40 espectáculos teatrales en sus 30 años de carrera, entre los que se destacan Decadência, Quartett, Medea Material, Trágica.3, O Estrangeiro, Romeo y Julieta y Merlin. Actuó en varias telenovelas, miniseries y películas y también desarrolló trabajos e investigaciones en el campo de las artes visuales.

 

Según él, el desafío era hablar de un tema tan importante y centrarse en un contexto de crisis humanitaria tan urgente en nuestro proceso civilizador. “Esta ópera puede cuestionar la naturaleza del amor, la identidad y la moralidad en medio de circunstancias extremas”, señala. A partir del cuestionamiento sobre la capacidad humana de amar y conectarse en medio de la adversidad, Isolda/Tristán promete ser un hito para la producción contemporánea de la ópera brasileña.

 

Ainadamar investiga tramas de la vida del escritor Federico García Lorca desde el punto de vista femenino

 

Las mismas noches de Isolda/Tristán, en formato de doble cartel, se representa Ainadamar, ópera compuesta en 2003 por el argentino Osvaldo Golijov, con libreto del estadounidense David Henry Hwang, que regresa al Teatro Municipal de São Paulo después el gran éxito de su primera presentación.

 

Cuenta la historia de la actriz catalana Margarita Xirgú (1888-1969), exiliada de España por la dictadura franquista y naturalizada uruguaya. En el último día de su vida, en Montevideo, Xirgú recuerda su amistad con el dramaturgo y poeta Federico García Lorca, fusilado durante la Guerra Civil Española. Ainadamar, en árabe, significa fuente de lágrimas y también es el nombre del lugar donde fue ejecutado el poeta, en Granada, España.

 

 

Lorca acaba siendo el eje de la historia, con personajes y actrices femeninas liderando el montaje, entre ellas Denise de Freitas, que en el escenario será retratada como una mujer en la puesta en escena de Lorca, que también será interpretada en escena por una niña, representando a la juventud del poeta. “Hay un flashback dividido en tres fotogramas: los recuerdos de Mariana, Lorca y Margarita Xirgu. Escenográficamente tendremos un escenario flamenco y una presencia muy fuerte, a veces de la luz de la luna, bajo la cual se desarrollan muchas escenas, a veces del sol, con una fuerte presencia femenina al frente del montaje”, afirma Ronaldo Zero.

 

La Orquestra Sinfonica Municipal dirige y la dirección musical también es de Alessandro Sangiorgi. El espectáculo cuenta con la dirección escénica de Ronaldo Zero, la participación del Coro Lírico Municipal, dirigido por Mário Zaccaro, la escenografía es de Nicolás Boni, el vestuario de Olintho Malaquias y el diseño de luces de Wagner Antonio. La coreografía, que incluye bailaores de flamenco, es de Fábio Rodrigues. Entre los solistas, Marisú Pavón interpreta a Margarita Xirgu, Lina Mendes es Núria y Denise de Freitas, como Lorca. La calificación orientativa es de 12 años.

 

Ópera Fora da Caixa – De hoy para mañana echa una mirada a la modernidad

 

La tercera ópera forma parte del proyecto Ópera Fora da Caixa, proyecto del Teatro Municipal de São Paulo que lleva las representaciones fuera de los espacios escénicos habituales. Inédita en Brasil, De hoy para mañana («Von Heute Auf Morgen»), escrita por el austriaco Arnold Schönberg y libreto de Max Blonda, seudónimo de su entonces esposa Greta Kolisch, fue concebida y puesta en escena por Alvise Camozzi y será representada en 21, 22 y 23/9 (jueves, viernes y sábado), y 27, 28 y 29/9 (miércoles, jueves y viernes), siempre a las 21 horas, en la Cúpula del Teatro Municipal. La dirección musical y dirección de los músicos de la Orquesta de Repertorio Experimental es de Marcos Arakaki.

 

La carrera artística de Marcos Arakaki ha estado marcada por premios como el 1er Concurso Nacional para Jóvenes Directores Eleazar de Carvalho (2001) y el 1er Premio Camargo Guarnieri (2009). Marcos Arakaki ha sido invitado regularmente por las principales orquestas sinfónicas brasileñas. También ha dirigido orquestas en Estados Unidos, México, Argentina, República Checa y Ucrania. Actualmente es director de la Orquesta Parassinfónica de São Paulo.

 

 

El espectáculo se estrenó originalmente en una sala de ensayo dirigida por el maestro William Steinberg y, esta vez, se lleva a cabo en la cúpula y está precedido por la presentación de DJs Fractal Mood, dúo compuesto por los productores Guilherme Picorelli y Henrique D’Marte, quienes traen un set de techno house, a partir de las 19 h.

 

“La crisis de una pareja ante la posibilidad de hacer un juego de amor para cuatro, un intercambio de parejas se convierte en el pretexto para que el compositor Arnold Schönberg y Gertrude Kolish, su esposa, firma el libreto con el seudónimo de Max Blonda. sobre los tiempos modernos, en los que todo cambia, de una hora a otra, de hoy a mañana”, afirma Alvise Camozzi, director escénico del montaje.

 

De hoy para mañana, de Schönberg, [es] una obra que va al corazón de una cuestión del siglo XX, pero que nos atraviesa hasta hoy, con la pregunta: ¿qué es ser moderno? — Andrea Caruso Saturnino

 

Alvise ha dirigido numerosos espectáculos, entre ellos Só (Premio Shell a João Miguel como mejor actor en 2009); Babel, de Letizia Russo (2010); El bosque, de David Mamet (2011); El feo, de Marius Von Mayenburg (2013); Lela & C (2019), de Cordelia Lynn, entre otros. En Venecia, entre 2022 y 2023, dirigió y actuó en Alburno (de Fernando Marchiori), El Pessecán y Anima Buona (ambas obras basadas en la obra didáctica de Bertolt Brecht).

 

En la historia, la constante ruptura de paradigmas también en el ámbito de comportamientos y costumbres relacionadas con las relaciones maritales, los tabúes sexuales y la moral imperante terminan siendo discutidos junto con estándares artístico-musicales, a lo que se suma el hecho de que se trata de un dodecafonismo. ópera -primer escrito en este esquema compositivo-, una base lírica llena de experimentación atonal.

 

Tradición y traición, comedia y crítica terminan siendo dobles también centrales en la historia, que cuenta el regreso de una fiesta entre El Marido y La Mujer. Comentan en este itinerario dos personas que conocieron allí, El Cantante y La Amiga. De manera provocativa, dan a entender que los coqueteos cruzados tuvieron lugar de la noche a la mañana. El juego llega a su clímax cuando La Amiga y El Cantante se presentan en la casa del Marido y la Mujer proponiendo un divertido cuarteto.

 

El espectador comienza su recorrido en el espectáculo precisamente en una fiesta, como aquella en la que la pareja inicia el juego de coqueteo, de la mano de los DJs Fractal Mood tocando un set de música techno house. Después, quienes ven el programa llegan al escenario, donde todo se muestra y revela. La escenografía, la luz y la performance se exponen y exhiben intencionalmente, mientras que los videos muestran lo que no se puede ver en persona, creando nuevos desarrollos entre lo que se ve y lo que se quiere ver.

 

La contaminación de lenguajes y géneros, en una configuración minimalista, se superpone al estilo de la dramaturgia, que alterna verosimilitud y extrañamiento, apuntando a veces a fragmentos cómicos, a veces surrealistas, para sustentar las múltiples transformaciones de la protagonista de la trama: la Esposa que, Una vez provocada y ofendida por su marido, decide demostrarle su extraordinaria capacidad para interpretar mujeres muy diferentes entre sí, luciendo en el papel de nuevos personajes, mostrando lo diferente y libremente moderna que puede ser y será. ser, de hoy a mañana.

 

“El conflicto entre ser, aparecer y querer ser, que reconocemos en esta dramaturgia de principios del siglo XX, sigue siendo urgentemente actual, yuxtapuesto también a los diferentes paradigmas que caracterizan la posmodernidad”, afirma Camozzi, que pone en escena una reflexión sobre el arte y sobre el amor, en tiempos de guerra y crisis, buscando, en medio de la ligereza temática, señalar la fragilidad del ser.